Олеся Морозова

8.3...Олеся Морозова. Как уличное искусство продолжает существовать, пока его запрещают

......... Работы уличных художников закрашивают коммунальщики, на них жалуются местные жители, их запрещают. Но, как и во многих городах России, в Петербурге есть институции, которые способствуют развитию уличного искусства. Институт исследования стрит-арта — платформа, на базе которой социологи и ученые исследуют актуальный контекст, в котором существуют человек, искусство и город. В материале — разговор с сооснователем и руководителем Института, Альбиной Мотор.

Альбина Мотор, сооснователь и руководитель Института исследования стрит-арта

......... Начну со стандартного вопроса, так как интересует ваше мнение: есть ли принципиальная разница между понятиями стрит-арт, паблик-арт и граффити?

......... Если совсем грубо, то граффити — субкультурное явление. Люди, которые занимаются граффити, редко ставят себе целью быть понятыми широкой аудиторией, заметными вне своей «тусовки». Мы часто даже не можем прочитать тег, так как он сделан специальным образом для понимания узким кругом своих людей.

......... Очень хорошее определение дал дизайнер и художник агон-нога: «Граффити — это „здесь был я“, а стрит-арт — это „люди, мне есть, что вам сказать“».

......... Стрит-арт — это всегда message для максимально широкой аудитории. Как правило, реакция на злобу дня, попытка высказывания о беспокоящих художника темах. Для граффити не стоит вопрос о том, чтобы быть услышанным кем-то, это написание своего имени, прозвища, подпись, отпечаток руки на улице.

......... Паблик-арт относится к современному искусству, буквально понимается как искусство в общественных местах и, в отличие от стрит-арта согласуется с городом или с площадкой, где происходит. Стрит-артом в принципе может заниматься любой человек, который имеет возможность выйти в город и что-то сказать. Иногда у непрофессионалов хорошо получается. У паблик-арта часто есть заказчик, подрядчик и так далее. Все три направления объединяет то, что они находятся в публичном пространстве, а также их временность.

......... Какие примеры уличного искусства, по вашему мнению, органично вписываются в городское пространство Петербурга?

......... Хорошее уличное искусство способно органично вписаться в любое городское пространство. Это зависит от способности художника работать с пространством. Иногда работа выполнена настолько деликатно, что естественным образом становится частью среды, работает с архитектурой. Иногда художник сознательно провоцирует людей и делает работу на контрасте со средой, а иногда из-за неумения получается то, что в среду не вписывается. Если опять упрощать, то вопрос, насколько работа сможет вписаться в среду, зависит от опытности, от таланта, от способности художника работать в открытом пространстве. Не последнюю роль играет и сообщение, что конкретно художник хочет сказать и сделать, какой инструмент он для этого выберет.

......... Я категорически против работы исключительно с историей, с историческими личностями, с идеологией, с репродукциями, с копированием того, что уже сделано. Мне кажется, в этом нет необходимости сегодня. Я против так называемого украшательства, некрополя, переноса фотореализма в городское пространство, получается штамповка, подделка. При этом я глубоко уважаю работу Паши Каса, посвященную Даниилу Хармсу. На мой взгляд, несмотря на посвящение исторической личности, она стала образцом site-specific, когда работа попадет в место и сделана деликатно и изящно. Можно посмотреть на работу «Осколков» на Среднем проспекте, где команда обыграла глухой брандмауэр, изобразив на нем дверь. Я люблю вообще микро- стрит-арт, микро- внедрение — есть Саша Лузанов со своими «Куклами», отлично справляется с городским пространством.

Портрет Даниила Хармса. ул.Маяковского 11

......... Где легче выходить на улицу? Питер и Москва лучше контролируются и тут опаснее? А в регионах, например, в Екатеринбурге с этим проще?

......... Думаю, нет смысла сравнивать. Екатеринбург сам по себе специфический город, откуда вышли рок-группы. Екатеринбург был промышленной столицей Советского Союза, третьим крупнейшим городом. Опять же, контекст очень важен. Художники, которые работают на улице — это выпускники определенных курсов, определенных школ. В Москве и Петербурге художники вроде как ближе к Европе и чаще выезжают. У Москвы вообще другие возможности.

......... Вы запустили летом в Институте исследования стрит-арта проект «Стрит-арт прогулки по городу». Как прошла премьера и как планируете развивать проект?

......... У меня был опыт прогулок для друзей и журналистов. После того, как нас позвали придумать похожий проект, но для подростков в другом городе, мы перенесли его в Питер. К нам на практику пришли классные ребята, Полина Штанько и Петя Поликарпов, и я им предложила попробовать концепцию воплотить. Идея их очень вдохновила: был хороший отклик у аудитории, и по итогу сложилось комьюнити постоянных участников прогулок. Мы сейчас обрабатываем архивы, собранные с помощью комьюнити и готовим новый проект, скоро расскажем.

Стрит-арт прогулки. Фото из группы Института исследования стрит-арта ВКонтакте

......... Можете порекомендовать в качестве ликбеза обязательные к просмотру работы на улице Питера.

......... Назову не конкретные работы, а районы. Я бы предложила прогуляться по улицам Маяковского и Некрасова, по Острову Декабристов, по Коломне в районе Новой Голландии. Главное — внимательно смотреть. Лучший способ разглядеть уличное искусство — это присоединиться к нашим с Институтом стрит-арта прогулкам.

8.2...Олеся Морозова. Offline/online: попытка слияния цифры и образа

......... На запрос о современных цифровых технологиях в изобразительном искусстве гугл выдает миллионы ответов, использование технологий виртуальной или дополненной реальности на выставках популяризирует контент и привлекает аудиторию. Для современных кураторов цифровая сфера становится пространством соблазна для исследования дистанции между картиной и зрителем.

......... Кураторы Антонио Джезуа и Марина Альвитр собрали в питерском «ДК Громов» высказывания на тему Offline/Online российских художников.

......... «Насколько выставочное пространство, где произведения искусства встречаются со своим зрителем, может трансформироваться и стать дигитальным?». Этот вопрос встречает вас перед перед входом на экспозицию. Помогает в поиске ответа приложение, специально разработанное digital-продюсером. Суть проста: большинство картин, представленных на выставке, отмечены специальным значком AR (англ. augmented reality, AR — «дополненная реальность»). Зритель открывает приложение, наводит камеру смартфона на картину и перемещается в пространство дополненной реальности.

Александр Арефьев. Мальчики у забора, 1973. Холст, масло. Из коллекции Евгения Шипова и Ирины Фомичёвой

......... Кураторы выставки внедрили технологии в работы на выставке. Один из примеров — цифровое приложение Digitoral, заработавшее в 2015-м году на базе Штеделевского музея во Франкфурте, заменяет привычный сопроводительный текст к картинам и брошюры о выставке. Работники музея уверены, что технические возможности способны по-новому презентовать искусство и создать уникальные переживания у зрителя.

......... Куратор Антонио Джеуза работает с темой современных технологий в совриске с 2005 года, курируя фестиваль цифрового искусства Art Digital и исследуя российский видео-арт. «Данная выставка предполагает два типа восприятия: первое — вызванное самой телесностью, фактурностью работ и их влиянием на сознание и эмоции зрителя («В прекрасном — радость без конца, без края, прекрасное живет, не умирая»); и второе — в чувстве доступности и близости, которые цифровой двойник произведения искусства приносит в знакомое пространство сенсорного экрана и виртуального выставочного зала», — приводятся слова куратора в аннотации к выставке.

......... На выставке посетителей ждут подсказки, например, предложение использовать реальное пространство перед картинами: «Расположите обе руки перед лицом. Что более реально, ваши руки или картина?». Через физическое восприятие становится понятно, что искусство обладает «телесностью», оно осязаемо и реально: «Обнимите себя. У искусства тоже есть тело?». С другой стороны, с помощью обычной камеры мобильного телефона пространство картины расширяется, превращаясь в серию и выходя далеко за рамки своего существования в реальном мире.

......... С помощью всех этих инструментов — технологий дополненной реальности, «подсказок» к тому, как взаимодействовать с картинами в реальном пространстве, граница между произведением и смотрящим почти стирается и возникает взаимодействие, интерактив. В этом смысле проект отсылает к практике хэппенинга, но в отличие, например, от классических примеров Алана Капроу, появляется дополненная реальность.

......... Предоставить для цифрового эксперимента картины согласились частные коллекционеры Николай Благодатов, Александр Большаков и Яков Кальменс, что придает эксклюзивность проекту. По словам Марины Альвитр, механизмы дополненной реальности помогают объединить в единое целое произведения искусства из разных периодов и направлений — альбомы Ильи Кабакова и других авторов как начала ХХ века, так и современников.

Иван Плющ. Из серии «Пьеса без действующих лиц». Plan B. 2016. Холст, акрил. Из коллекции Сергеева С.В., отель ARTBOX

Илья Кабаков. «Художник! Почему ты не нарисовал красивую заднюю часть? Не было времени? Да, не было». Без даты. Бумага, шелкография. Из коллекции Игоря Суханова

......... Виртуальные фокусы на выставке представлены как помощники, вы погружаетесь в детали произведения, считываете смыслы. Кураторы перетягивают цифровизацию на сторону современного искусства, опуская конфликт живого/неживого. «Дополненная и виртуальная реальности выступают, скорее, как новый медиатор между посетителем выставки и искусством, как современный инструмент, позволяющий «невозможное», — приводятся слова digital-продюсера выставки Иван Пузырев в аннотации.

......... Чтобы не чувствовать себя заложником технологий, кураторы просят не забывать о действительности и перед каждым произведением задавать себе вопросы: «Насколько близко изображение реальному прототипу?» и «Насколько это реально?». Опасность забыться и «выпасть» из офлайн-пространства существует: дополненная реальность показывает, как силуэт с картины Ивана Плюща рассыпается на тысячи осколков, а изображения на картинах Ильи Кабакова сменяется после касания экрана.

Павел Папперштейн. Без названия, 2016. Бумага, смешанная техника. Из коллекции Евгения Шипова и Ирины Фомичёвой

......... Приближаясь к финалу, посетителя ждет еще одна подсказка: «Выключите мобильный телефон. Было трудно сделать?». Переключиться как пульт снова в офлайновый режим по идее позволит испытать практически телесный опыт взаимодействия с окружающим пространством. Оставляя на выбор зрителю — включить или выключить кураторы завершают свою навигацию вопросом: «Сделайте глубокий вдох. А что если эта выставка была виртуальной?»

......... Выставочный проект представлен в арт-пространстве «ДК Громов» до 6 декабря.

8.1...Олеся Морозова. История одной кляксы или зачем идти на выставку не очень известного художника

.........Выставка современного художника Алексея Роумана — это взгляд на проблемы современного общества, выраженный в лаконичных художественных формах.

.........«Для меня важно, чтобы люди умели выпрыгнуть из собственного тела и достигнуть сознания» — говорит художник Алексей Роуман. В петербургском музее современного искусства «Эрарта» новые временные выставки открываются каждый месяц. Нередко площадка музея становится первой в выставочной деятельности художника. Один из таких художников — Алексей Роуман, дебютная персональная выставка которого проходит в «Эрарте» с 11 октября по 1 декабря. В прошлом Роуман — выпускник факультета прикладного искусства Московского текстильного университета им. А. Н. Косыгина и дизайнер по специальности, его работы находятся в частных коллекциях России и Европы. Работать над проектом художник начал в 2017-м году. Далее разберемся, в чем заключается послание автора и зачем стоит смотреть выставки начинающих художников.

.........Причина первая: через свое творчество художник рассказывает о явлениях, которые остро чувствует он сам, а персональное высказывание дает возможность «прочитать» этот рассказ. Порядок, в котором расположены работы — это репрезентация эволюции. Эволюции как идей автора, так и зашифрованной в контексте выставки эволюции человека. Свое начало она берет в работе «Адам», в которой, по словам автора, запечатлен момент появления жизни, ровно так же, как во время Большого взрыва образовалась вселенная. Кульминация развития — работа «Клякса 11».

Алексей Роуман, «Адам»

Алексей Роуман, «Клякса II»

......... «Это произведение о том, какая наша страна по психологии и мировоззрению», — говорит Роуман. Перед зрителем предстает чернильное пятно, отчетливо напоминающее форму герба, и маленькие табуретки, стоящие у его подножья. Смотря на работу, невольно задумываешься о масштабе личности на фоне всемогущего государства. Так автор видит свою миссию — разобраться, кто мы есть как личности. Художник исследует вопрос о том, что нас ждет в ходе этой эволюции.

......... Представленные на выставке работы призывают зрителя оторваться от собственного «я» и взглянуть на окружающие явления по-новому. «Мы сидим в скорлупе и пытаемся смотреть, что происходит снаружи. Мы слишком погружены в собственное тело и не замечаем, что нас окружает. Это приведет к развитию технологий, которые, в конце концов, нас поработят», — уверен художник. Автор играет с лаконичными и строгими формами. Минималистичные очертания не отвлекают, не транслируют определенную идею и дают возможность увидеть подтекст, не опираясь на внешнюю форму.

......... Работы Алексея Роумана учат тому, что нам стоит пересмотреть свои интересы. У автора есть представление, что искусственный интеллект — это серьезная проблема, и в конечном итоге «тело останется на память». Произведения автора — это еще и прообраз жизни, начиная с самого раннего возраста. Так, для нескольких работ художник использует форму игрушек-неваляшек: у каждого из нас были игрушки, которым мы давали имена. Мы вырастаем, но игрушки не исчезают, а лишь принимают другую форму.

Алексей Роуман, «Дворобой» и «Ментомен»

......... Человеческое тело художник изображает разными способами. В работе «Эволюция», например, он изображает человека в форме матрешек, в которых меняется форма, а цвет остается неизменным. Еще одна лаконичная форма — человек, изображенный в виде фигуры с дорожного знака на работе «Депрессия». Такая игра с формами дает зрителю возможность понять, насколько разным может быть изображено человеческое тело.

Алексей Роуман, «Эволюция»

Алексей Роуман, «Депрессия»

......... В конце концов, имя только начинающего художника исключает предвзятость по отношению к его работам. Мы невольно поддаемся сформировавшемуся обществом мнению о произведениях наиболее известных мастеров. Отсутствие же у автора громкого имени и, соответственно, ярлыков вокруг его работ лишь подталкивает нас искать смыслы и самим дешифровать посыл художника.